“Es un trabajo de desprejuicio, un proceso en que busco librarme de prejuicios”.
Os materiais ignorados na vida corrida e cotidiana ganham ares protagonistas no enredo criativo do mexicano Gabriel Orozco, reconhecido agente da arte contemporânea. Ele é mexicano, clamado como um dos artistas mais influentes da década e, não por menos, ganha a primeira retrospectiva no MoMA – Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. Ela está aberta a visitação desde 13 de dezembro e percorre até 1 de março de 2010, em uma grande exposição que examina duas décadas de carreira, com 80 obras, irrestritas em linguagens e categorização. São fotografias, desenho, pintura, escultura, instalação, que re-capacitam, repetidas vezes, o banal, o rotineiro, elevando-os do comum à reflexão. A retrospectiva Gabriel Orozco está no sexto andar, no The International Council of The Museum of Modern Art Gallery.
As vestimentas vão agregando significações ao longo da história. Fora divisão social, repartição cultural e histórica do feminismo, repetição-cópia-democratização-consumismo, delimita as “tribos”, os grupos sociais e os afirma. No todo, faz-se arte da moda e arte na moda. E o Museu Boijmans Van Beuningen, em Roterdã, Holanda,apresenta “El arte de la moda: Instalación de Alusiones”, em cartaz até 10 de janeiro de 2010. A proposta é justamente essa: investifar as fronteiras entre a moda e a arte contemporânea, que se constrói, cada vez mais, em caráter escultórico e performático. Cinco estilistas foram convidados para proporem um novo trabalho desvincilhado de regras do mundo da moda, sem restrições. A exposição foi concebida em parceria da H + F Fashion on the Edge e é um dos eventos do programa oficial do governo da Holanda em prol da arte.
2.234 é uma exposição de artes plásticas, mas funciona como movimento artístico em favor da paz. Esse mini-documentário narra algumas das tantas intenções dos artistas no dia do abre-portas, em 10 de dezembro de 2009, no Casarão do Shopping Iguatemi no Largo de Santo Antônio, Centro Histórico de Salvador. O nome-número, que intitula a exposição, espelha as estatísticas de mortes no ano de 2008 em Salvador e na Região Metropolitana (RMS). Fato que convenceu os organizadores Leonel Mattos (também curador) e Gustavo Moreno pelo tema em favor da PAZ. Esta foi a base que serviu de estopim de transformação de um revólver de gesso dado a cada um dos 126 artistas convidados. A missão foi recriar o objeto fundamentado na PAZ.
Sobre as interpretações pacíficas, que tal conhecê-las neste minidocumentário?
Agradecimento especial a Hudison Vieira (edição) e ao fotógrafo Márcio Lima (por ceder as fotos)
Márcio Lima garante que as cores de suas fotos não têm sentido antropológico. Mas parece. Refaz o cotidiano do olho cru em cores, que refinam de vivacidade poética o popular. “Fotografei muito em preto e branco e quando tomei a decisão de fazer em cor foi querendo mostrar esse universo registrado por mim com cores irreais, com cores que eu mesmo produzo”, conta.
Ele é recifense, nascido em 1960, e desde 1989 fincou morada em Salvador. Em 29 de outubro, montou as suas imagens no Ciranda Café Cultura & Artes, localizado na Rua Fonte do Boi, Rio Vermelho, para estrear esse novo espaço dedicado às artes. Elas estão lá até 20 de dezembro. “Márcio veio para agregar a idéia artística do espaço. A exposição reúne algumas obras já bastante conhecidas e outras que foram ampliadas para essa expo”, afirma Ingrid Machado, organizadora.
Vendedor de Bananas, Márcio Lima
São registros que partem da década de 1990, elaboradas com todo o ritual analógico, nostálgico para os clássicos amantes da fotografia. “Tem um gostinho diferente, gosto de pegar no cromo, de sentir o cheiro do filme e degustar melhor as imagens, não tenho pressa. E tem outra coisa, fotografo já um bom tempo com câmera de médio formato e as lentes dela tem um corte especial para o que faço”, opina. Em paralelo aos trabalhos autorais, rende-se ao cenário digital quando o assunto tem cunho comercial, “porque o mercado exige e é mais rápido distribuir as imagens”, diz.
Para as suas criações, obedece a um critério padrão: sai às ruas, se dispõe ao acaso. Participa do dia-a-dia, como observador em busca de histórias, cenários, pessoas. “É a latinidade do nosso povo, esse jeito de arrumar a vida de modo simples e prático, que muitas vezes tenho a sensação de está fotografando a mim mesmo”, descreve. Junto aos enquadramentos, nesse processo, evidenciam-se as cores.
Criança do Marajó com Papagaio, 2002
Márcio Lima é um fotógrafo experiente e premiado. Seus registros incluem-se em acervos de grandes instituições artísticas, como o Museu de Arte Moderna da Bahia, o Museu de Arte de São Paulo (MASP) e o Light Work – Syracuse, em Nova Iorque (EUA). Em Salvador, além do MAM-BA, também participam da coleção da Galeria Paulo Darzé e Fábio Pena Cal.
Dentre suas obras, Aruane Garzedin escolheu este quadro: "Ele fala de superfícies, texturas, passagem do tempo e da relações entre dentro/fora, das barreiras e permeabilidades...', explica.
Por 20 dias, as portas do Museu de Artes Sacras da Universidade Federal da Bahia anunciavam a visitação para a exposição “Artistas Arquitetos”, parte das comemorações do aniversário de 50 anos da Faculdade de Arquitetura da UFBA. Bem, é certo que elas se fecharam na última segunda-feira, 30 de novembro, o que impede o acesso o museu, sim, mas não ao conteúdo. Ora, quem ali expôs são alguns dos grandes nomes da arte contemporânea de Salvador, e incluem-se entre os ex-alunos de Arquitetura da UFBA, mesmo que hoje, uns estejam mais para artista, outros mais para arquiteto.
São 18 descendentes dos nostálgicos Diógenes Rebouças, Silvio Robatto e Nilton Silvas: Adriana Diniz, Almandrade, Ana Teresa Kauark, Aruane Garzedin, Cássio Ribeiro, Xico Diniz, Chico Mazzoni, Eliezer Nobre, Eneida Sanches, Gilberbert Chaves, Jamison Pedra, Juraci Dórea, Lourenço Mueller, Luiz Humberto, Marcelo Silva, Paulo Canuto, Pasqualino Magnavitta e Waldo Robatto.
Juntos, somados com os três primeiros – já falecidos – resultaram 21 obras de arte. São pinturas, esculturas, fotografias e gravuras, por exemplo, cujo foco é o entrelaçamento estético e arquitetônico. Aruane Garzedin, que tem mestrado em Desenho Urbano e doutorado em Artes Plástica, é o sinônimo da ponte entre as duas áreas. Organizou o evento em conjunto com os artistas. “Acredito que essa iniciativa, além de mostrar um pouco da arte contemporânea em Salvador, ao reunir vários artistas atuantes no momento, pode contribuir para discussões e reflexões sobre a relação arte/arquitetura e sobre a relatividade das fronteiras interdisciplinares”, comenta.
Tal condicionamento artístico aguça a curiosidade: será reflexo histórico? Afinal, até 1887 o curso de Arquitetura era ligada à Escola de Belas Artes. Para Garzedin, aquela era época de estreitamento mais próximo entre os dois campos, e que hoje precisa ser incrementado, para o bem da própria arquitetura. ”A atividade de arquitetura possui um componente artístico muito forte, enquanto criação que envolve valores formais, estéticos, culturais e históricos. Quando o curso era ligada à Faculdade de Belas Artes a visão da arquitetura ainda possuía um caráter decorativo maior”, diz.
O título é um termo de mergulho que significa profundidade x tempo. Sobre isto, Lica sugere metáforas, como um mergulho, a fundo, dentro de si
Lica Moniz na preparação da instalação Tempo de Fundo 4. Crédito: Kiki Moniz
Séculos se passaram e o pedaço de terra que, entre XVI e XVII, fora posse dos beneditinos e, depois, cenário senzala, foi modelado pela arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi, nos anos 1960, para abrigar, à beira da Baía de Todos os Santos, o Museu de Arte Moderna da Bahia, o MAM. Lá, o mar azul anil e sol forte que queima e cintila a água deixa qualquer visitante extasiado. Lica Moniz, que todos os finais de semana passeia nessa água calma, está encantada, satisfeita. Estreou em 10 de novembro com Tempo de Fundo nas salas da Galeria Subsolo, congratulada com a vista necessária para o contexto da exposição. O mar é o objeto, o espaço e o conceito das criações, fruto do trabalho de conclusão de Mestrado em Artes Visuais pela Escola de Belas Artes da UFBA. Todo esse diálogo pode ser visto até 9 de dezembro e sintetiza as sensações que acompanham Lica ao longo de uma vida imersa em mergulhos a bordo de um veleiro.
“Ela traz em sua obra uma ruptura com os suportes e espaços tradicionais na arte, exigindo uma postura não apenas contemplativa, mas participante e consciente da materialidade e da fenomenologia do mundo em que habitamos”, descreve a professora Dra.Viga Gordilho, orientadora da dissertação, no texto de apresentação. O sentido de Tempo de Fundo foi composto por quatro criações, uma delas restrita à noite de abertura, 9 de novembro: intervenção com luzes e mar, como explica no vídeo abaixo, gravado na ‘visita guiada’ da última quinta-feira, 25 de novembro.
Na foto de Valéria Simões, o resultado da intervenção de Lica - luzes e mar na Baía de Todos os Santos
Lica expõe trechos dos livros que participam de seu repertório, simbolizando o todo como uma única página. Foto: Kiki Moniz
Já o espaço de Tempo de Fundo 1 foi o bônus da artista para o público. A sala pequena tinha, no chão, água salgada, sobreposta por um tablado vazado de madeira, representando um píer. O cenário está dado, mas a atenção do visitante é atraída pelo que está logo à frente: páginas, contra capas e folhas de rosto pregadas na parede. Tudo original, partes dos livros revisitados tantas vezes por Lica. Dentre eles, O Livro das Maravilhas, de Ramon Llull, Os Velhos Marinheiros, de Jorge Amado, Relatos de um Naúfrago, de Gabriel García Marques e 20 000 Léguas Submarinas, de Júlio Verne. “Eu não pude usar tudo isso na minha dissertação, mas é uma maneira de mostrar o que me acompanha. São minhas influências, leituras que me formaram, é como se fosse uma só página de livro, do agora”, explica Lica.
Para atingir o objetivo da exposição, precisou juntar o repertório marítimo e artístico aos de biologia e arqueologia para a coleta de objetos encontrados no fundo do mar, expostos dentro de vasos, em uma sala escura: a Tempo de Fundo 2. São redes de pescador, espinhas do peixe budião azul, destroços de lixos que, nas ideias de Lica, tomaram proporção artística. “A arte tem disso, quem diz que aquilo está sacralizado como objeto de arte é o artista”, diz. Confessa que sustentou um freio em relação às manifestações artistas contemporâneas, que perdurou até 2005, época em que percebeu que podia associar o seu cotidiano à produção. “Antes tive vários embates até entrar, entender e gostar. Hoje, minha paixão é a arte contemporânea”, afirma.
A sequência de vasos com indícios marinhos, acompanhada do escuro e de som, na sala da Tempo de Fundo 2. Foto: Kiki Moniz
Na sala próxima, também escura, ouvê-se o intenso som de respiração da artista em 40 m e, depressa, a luz azul também chama a atenção. É o recanto de Tempo de Fundo 3. O azul vem horizontal ao chão, como o mar, e é uma filmagem em tempo real do momento do mergulho - aparecem índicios, por exemplo, de Lica afundando com uma bóia e sua mão segurando o cabo. Mesmo com todo efeito, segundo Lica, a simbologia não a satisfaz no sentido visual. “Mais que a imagem, para mim, o mais importante é o som. Quando a gente está nessa ação, esquece que o mar é grande, que chega a todas as partes do mundo. Sente apenas você e você. O seu coração escuta a sua respiração e as bolhas. É uma coisa que internaliza, justamente o contrário da imaginação das pessoas que não têm essa experiência, acham que estão na imensidão. Mas é o contrário, é algo que vai para dentro, para o fundo”, descreve a artista.
O contraste do azul no preto na sala de Tempo de Fundo 3. Foto: Kiki Moniz
Niejila Brito tem 23 anos. Até surpreende, pouco parece a idade, mas isso não importa. Encontro-a em trajes que já dão dicas sobre as suas referências – turbante, vestido longo, rasteira, pulseiras de couro, pedras, prata e maquiagem à la ”olho de gata’ – no Instituto Mauá (Pelourinho), inserindo os últimos retoques de Mantras que Saem do Vinil, que estreou na noite anterior (18). É sua primeira exposição individual: como autodidata que é, fez a sua própria assessoria artística: deu uma ‘batidinha’ na porta do Mauá, mostrou suas criações, argumentou e, adiantou, fica lá até 30 de novembro.
“Eu acredito no dom. Comecei a produzir em cima da inexperiência. O início são mesmo as ideias, mas o processo surge no inusitado e o resultado, para mim, é satisfatório”, conta, entusiástica. As mandalas surgiram há pouco mais de cinco anos, época em que praticava artesanato, e foi tomando o seu tempo, espaço e cuidado. Mantras que Saem do Vinil reflete a personalidade de Niejila. “Gosto da cultura africana, inca, maia, espiritualidade, sempre tive simpatia. Gosto da energia que os próprios elementos orgânicos trazem, até porque mandala significa isso, o ciclo energético. Eu tenho muito respeito pela mística que envolve as mandalas”, diz.
Para a base das mandalas, Niejila optou pelos vinis. Não à toa. Segundo ela, o vinil era a única forma de ouvir o dom dos outros através do som. “Mantras são como mandalas decorativas em notas musicais e as mandalas são mantras em desenho, forma”, explica. E as mandalas se espalham em cavaletes decorados por lenços no salão do Mauá. Os contrastes coloridos e as sensações táteis são obtidas por tinta relevo e por sementes, graõs, cascas de ovos de avestruz ou galinha de granja e o que mais recolherem para ela.
Visitação Mantras que Saem do Vinil
De 19 de novembro a 30 de novembro
Horário Segunda a sexta, das 9h às 17h30
Onde Instituto Mauá (Espaço Cultural Mestre Abdias) – R. Gregório de Matos, 27, Centro Histórico, Salvador. Tel 3116-6710
De Profundis está em cartaz no Circuito Sala de Arte, em Salvador
De Profundis, quem já viu? Estreou em 13 de novembro nos cinemas nacionais mas, em Salvador, esta é a sua primeira semana. Idealizado e dirigido por Miguelanxo Prado, propõe um mar como você, usuário-telespectador, nunca o viu. A ligação com o acasoARTE vem por dois motivos. O primeiro, trata-se de quatro anos de intensa dedicação do espanhol Miguelanxo, escritor e ilustrador, que abandonou a faculdade de arquitetura e se tornou “o gênio das histórias em quadrinhos”, como é considerado. Em paralelo, o grau de sensações oníricas presente na narrativa é possibilitada pela animação de cada um dos 10 mil quadros desenhados à mão por Prado. A história conta sobre o único sobrevivente de um barco que afunda no oceano. Ele é salvo por uma sereia e, com ela, começa a desvendar o universo submarino inundado por metáforas, poética e fantasia. Realizado em 2007, os 80 minutos do longa-metragem não tem diálogos, porém é bem embalado pela trilha sonora assinada por Nani García (veja no vídeo 2). De Profundis foi indicado para o Prêmio Goya, tido como o Oscar Espanhol, na categoria de Melhor Animação.
Fotografia do artista africano Kiluanji na exposição Luanda Suave Frenética
Luanda I Suave e Frenética (Luanda I Smooth and Rave). O que as palavras indicam o público baiano poderá ver de perto a partir de 21 de novembro, na Galeria Solar Ferrão. Quatro artistas saem da África e desembarcam no Pelourinho para mostrar, ao público baiano, amparando o Dia da Consciência Negra, seus olhares sobre a tão próxima Angola, sob ponto de vista da vida cotidiana em Luanda. Ihosvanny, Cláudia Veiga, Kiluanji e Yonamine trazem produções contemporâneas em vídeo, instalação e fotografias, sob curadoria de Fernando Alvim. Luanda I Suave e Frenética é promovida pela, em Salvador, pela Diretoria de Museus do IPAC (Secult – Ba), Fundação Sindika Dokolo e SOSO Arte Contemporânea Africana.
Fotografia da artista africana Claudia Veiga na exposição Luanda Suave Frenética
Visitação Luanda I Suave Frenética
De 21 de novembro de 2009 a 17 de janeiro de 2010
Horário De terça a sexta, de 10 às 18h. Finais de semana e feridos, das 13 às 17h.
Onde Centro Cultural Solar Ferrão, Galeria Solar Ferrão – Rua Gregório de Mattos, 45, Pelourinho, Salvador. Tel.: (71) 3117-6357
“Complete-o e devolva-o, por favor”, esta era uma das inscrições dos postais. Quem os escrevia era Ray Johnson (1927 – 1995), o inventor da cadeia artística conhecida como arte postal. É considerado um caso esquecido, e (porém), uma das maiores imponências da arte do século XX. Ray Johnson criava os protótipos e os direciovava à sua rede internacional de contatos para que, no passa e repassa, elas se modificassem através das contribuições conceituais de cada um dos participantes, indizindo-as, assim, a criatividade e as produções pluralistas. Ah, e enviava os materiais: fragmentos para colagens, peles de cobra, objetos, recortes de jornais, etc. O estilo também é conhecido como mail art, cujo prazer maior, ratificando, é possibilitar a criatividade artística-comunicacional via correspondência. Oficializando o princípio, Ray Johnson criou, em 1962, a New York Correspondence School of Art, sem fins lucrativos.
Um dos exemplos da arte postais de Johnson
Bem longe do populismo de Andy Warhol, de quem era amigo das ruas novaiorquinas -, Johnson foi uma das figuras precursoras do movimento pop art. Misturava, às pinturas, anúncios populares e imagens de personaliades-símbolos da época – Elvis Presley, Marilyn Monroe, Shirley Temple e James Dean -, além de pedaços de papelão colado, pintadas e lixadas, caracterizando-as no conceito de tridimensional.
O retrato de Elvis, por Ray Johnson
Teve daquelas mortes misteriosas: foi encontrado boiando em uma pequena enseada em Sag Harbor (Nova Iorque), em 1995. Porém, até então persistiu em colagens e na prática do envio de volumes de arte postal. A partir de 1982, foi convidado para expor os seus trabalhos em inúmeras galerias artísticas, mas não fez questão, recusou todas.
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